金墨無界——李華弌近作展: 大館 F 倉展室

2021年11月25日 - 12月12日

敬請預約

策展人: 馮戈
展場設計: 梁志天設計集團
燈光設計: 關永權燈光設計

 

季豐軒畫廊欣然呈獻《金墨無界——李華弌近作展》,展出李華弌於2018至2021年間創作的12幅作品,呈現他將金箔媒材融合老練筆墨的高超技巧,造出有無限動力、出人意表的畫面。同時,除了金箔以外,藝術家的媒材運用也延展到銀箔,畫面泛出有如月色的光,充滿傳統中國文人獨有的詩意浪漫。展覽將於2021年11月25日至12月12日在香港中環大館17座F 倉展室中展出。

 

1948 年生於上海,李華弌是最出色的中國當代水墨畫家之一。他六歲開始學習中國海派水墨,師從上海著名畫家王季眉,十六歲追隨張充仁接受西方素描及繪畫訓練。1982年移居三藩市,1984年於三藩市藝術學院獲取藝術碩士學位。在90年代初,受北宋大師李成(919–967)、范寬(約950–1032)及郭熙(約1020–1090)的啟發,他逐漸建立個人獨特風格——紀念碑式的紙本山水。他的作品展示了如何透過當代手法去體現中國畫偉大傳統的蛻變,走向現代化。

 

到2005年,李華弌的紙本虛幻山水已發展了近十年,他萌發在金屏風著墨的想法。他發覺中國水墨畫有一個掣肘: 畫面的面積放大會令美感流失。於是他開始摸索如何增加作品的體積空間感,令大尺寸的中國畫生動有趣。他嘗試了兩個方向: 一是將卷軸和屏風畫拼合,成為大型「重屏山水」裝置,二則在金屏風上創作水墨畫,以替代紙本。在2008年,他完成了第一幅日本古董金屏風水墨。自此,他的藝途兩路俱發,原有的紙本水墨與運用金箔物料的新手法同步並進。直至2018年,在過去10年間他創作了共4幅金箋紙本和26幅日本古董金屏風作品。

 

2018年,藝術家進一步挑戰自己,擴大金箔系列的領域。鋪了金箔的屏風表面不容易吸墨,畫家需要一筆一筆勾勒線條,難以發揮灑潑畫風。於是,李氏不再在金箔落筆,改為在京都專家製作的手工絹本上構圖。之後在樹幹和樹枝上貼滿金箔,造出與金屏風畫不同的韻味。這個新手法使畫上的光澤變了從畫中的樹顯現,而非來自畫背本身,令樹身成了奪目的主角。在一些作品上,藝術家用幼沙混進畫面貼了金的部分,營造出理想的質感,增加畫面視覺層次。

 

雖然這個新創作手法解除了在金屏風表面著墨的限制,讓畫家自由地去發掘更抽象的風格,但這些近作依然保留著金箔系列的核心元素。它們繼續呈現一個充滿著光、無限空間和無盡時間來去的虛幻世界,而如魔術般的表達技巧令這錯覺無比真實。李華弌充滿戲劇性的畫面佈局,提醒了觀者藝術家與解構主義的淵源,同時,他能將現代主義的價值觀有建設性地組合起來,令他超越後現代主義,為中國水墨畫開拓一個全新方向。

 

雖然李華弌的作品風格融合當代藝術觀念和手法,但他的整體藝術理念一直承載著中國傳統文人畫的核心精神。傳統中國文人畫並非要描繪客觀世界的外貌,而是展示繪畫人本身的氣質,包含他的學識、信念和文化品味,總結他的學養和個人品格修煉。金箔系列裡松樹的形象是個典型實例,它們的形態都注滿優雅和高尚的氣度,而且更被細心地佈置在一個暗示著永生的金色無盡空洞,直指一個德高望重、學識淵博的傳統中國文人的內在精神。每一幅作品都揭開李華弌心中理想世界的一角。在那一個國度,人不斷學習,講究自律,求義求仁,對自然抱理性而謙卑的態度,相信天人合一,和諧共存,而這正是中國文化核心追求的最高境界,建基於中國三大哲學支柱——儒、釋、道的影響。

 

 


 

預約參觀